Estrategias de Pensamiento Visual (VTS)

Estrategias de Pensamiento Visual (Visual Thinking Strategies), es un método para enseñar a la sociedad a encontrar el significado y el placer en las obras de arte. Fomenta la interacción con el arte de diversas culturas, tiempos y lugares así como la confianza en la propia capacidad para construir significados desde el arte. Este proyecto ha sido puesto en práctica desde 1997 en diversos países, y es la base de un gran número de programas de museos en los EEUU.

El VTS  supone ante todo una nueva metodología y una respuesta al problema de la incomprensión del espectador cuando se enfrenta a una obra de arte a pesar de su voluntad por entender desea comunicarse con la obra de arte, algo normal si tenemos en cuenta que el arte es algo inherente a la propia naturaleza del ser humano, pero en muchos casos no le es posible.

 Las Estrategias de Pensamiento Visual  acercan el arte  como medio para enseñar a la gente a pensar y a desarrollar sus capacidades comunicativas, así como para iniciarles en la percepción visual. El desarrollo estético se genera a través de tres medios: la contemplación de las obras de arte, cuya complejidad se va incrementando con el tiempo; la formulación de preguntas que facilitan el desarrollo, y la participación en un debate en grupo debidamente organizado.

Las palabras de Philip Yenawine, creador del VTS, expresan mejor que nadie  la importancia de llevar  a cabo este proyecto.

“La gente reconoce a Picasso, reconoce a Cézanne, pero lo que realmente admiran y quieren es extraer el significado del arte, da igual de quien sea la obra; simplemente  se trata de que los ojos, la mente y el corazón piensen a la vez, sobre el significado del arte, y eso es realmente el arte. No tiene nada que ver con estilos, con artistas, ni con  cuándo se hizo la obra de arte, sino que es un hecho de comunicación entre el artista y la persona que esta mirando su obra.

Para mí, realmente el arte es una de las maneras más importantes que tenemos los seres humanos de comunicarnos. A lo largo del tiempo me he dado cuenta de que el arte era el centro de todas las culturas del pasado que conocemos. El arte tenía una relación muy cercana con la religión, y está claro que una de las maneras en las que uno forma parte de su cultura es necesariamente a través del arte. Lo que queremos es alimentar el espíritu humano. El arte, la música, el baile, la poesía, las novelas, constituyen elementos que deben estar en la mente de una persona, pero la expresión de las ideas que están detrás de todas las formas de arte debería venir no solo de la mente sino también del corazón.  Las experiencias que  nosotros tenemos las deberíamos obtener a través de la mente y del corazón; es una teoría a la que he llegado mediante la observación de las personas y al pensar sobre ellos. Abigail  realiza las investigaciones, yo hago arte, y todo unido es lo que realmente me ha llevado a ver que el arte es una de las cosas más relevantes de la  civilización.

De todas formas, lo más importante para mí sobre la gente que iba a los museos, era que no tuviesen miedo del nuevo arte, del arte contemporáneo. Quiero que el arte esté en sus vidas, porque sin arte no somos verdaderos seres humanos. El arte es como un premio, como una recompensa para el ser humano, y  tenemos bastante suerte por tener nuestro arte.

Los sentidos que el ser humano utiliza en el arte configuran una habilidad que logra que las diferentes civilizaciones puedan estar de acuerdo y puedan ver exactamente lo mismo, aunque no piensen igual o  no tengan la misma religión. La gente tiene que apreciar  la manera  en  la que el arte nos enseña a ser seres humanos, a respetar a los demás. Hay muchas formas de mirar algo; cada uno puede tener su propia experiencia totalmente diferente de la del otro, pero todas son válidas, y eso es lo que el arte nos enseña, esa es mi opinión. Para mí, conseguir que la gente encuentre el significado de la obra de arte va mucho mas allá de que vaya  o no a los museos; esto lo que realmente las civilizaciones empezaron, es lo que nosotros hemos olvidado desde hace tiempo: hemos metido el arte en cajas, y sin embargo esta en todas partes. La gente  no sabe siquiera que está invitada a los museos, no saben cómo llegar a ellos. Todo el mundo debería sentirse cómodo y bien en los museos, en cualquier sitio donde estuviera el arte.” (P.Yenawine)

Philip Yenawine Conferencia en el CAAM

El CAAM ha sido pionero en la implantación en España del VTS (Visual Thinking Strategies) y en su aplicación fuera del museo, en centros escolares de Infantil, Primaria y secundaria así como en el Proyecto Photobrik.

Inmaculada Pérez

Departamento de Educación y Acción Cultural

CAAM

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Preparando vestidos para la levedad

Agradecemos la colaboración de todos en esta iniciativa solidaria, tanto con la asistencia a las conferencias, como por la generosidad en cada tetrabrik de leche entregado. Y es por lo que, hemos querido desde Photobrik tener un detalle con todos vosotros. Un pequeño gesto, en el que hemos implicado a participantes de los talleres de fotografía de la Universidad Popular de Guanarteme y al proyecto EnfocArte, y que será regalado en la conferencia de Monique Hoffman “Vistiendo la levedad”.

Unos pequeños vestiditos hechos de papiroflexia serán colocados a modo de broche a cada uno de los asistentes a la conferencia. En esta ocasión Inmaculada Pérez, Responsable del Departamento de Educación y Acción Cultural del CAAM, ha enseñado a todos los participantes  esta ancestral técnica con la que pretendemos trasmitir la levedad a través del papel.

Fotografía fija: Alicia Rodríguez Macías

Video: Manuel Méndez

Photobrik entrega 225 tetrabriks al Banco de Alimentos

La segunda conferencia de Photobrik con Rubén Acosta recaudó 225 tetrabriks de leche. Un aforo que volvió a llenarse con un total de 130 personas. Gracias tanto por parte de todo el equipo de Photobrik como del Banco de Alimentos, a todos por su colaboración en esta causa solidaria.

Les dejo con Inmaculada Pérez Responsable del Departamento Educativo y Acción Cultural , que fue la encargada de recibir al Banco de Alimentos en el CAAM.

Vídeo: Eduardo Pérez

De Rendering, Rubén Acosta

© Rúben Acosta

¿Es posible deconstruir un render? Técnicamente no es posible. Es un viaje sólo de ida entre lo recreado y la imagen final por lo que no es posible desandar los pasos.
El proyecto De-rendering nace con la idea de andar el camino de vuelta, de contrastar esa realidad con su ficción a partir de la ciudad infinitamente fotografiada de Dubai. Los deseos megalómanos del jeque de construir en el desierto, conllevan evidentes     problemas de sostenibilidad: escasez de agua, sobreexplotación de trabajadores de países subdesarrollados, cambios de corrientes marinas, tormentas de arena y un continuo mantenimiento de las infraestructuras urbanas. La crisis global y especialmente la acaecida en Diciembre de 2009 en Dubai cuando la principal empresa del emirato, Nakheel, admitió su imposibilidad de pagar las deudas adquiridas, evidenció un fallo en el sistema basado en la especulación y en la burbuja inmobiliaria.
 

© Rubén Acosta


De rendering también son historias de fracasos y sueños. Los fracasos inmobiliarios especulativos,  la desertificación, el abandono de los bienes de los “expatriados” , contrasta con los sueños generados por el negocio a través de esas imágenes publicitarias y a su vez también de los sueños de los trabajadores que acuden al emirato en busca de trabajo. 

“El desierto de lo real” contrasta con “la cultura del simulacro” manifiesta Braudillard. 

Las imágenes de la serie se desvanecen en sí mismas, como la realidad a la que aluden, en una clave alta donde se intuyen edificios, autopistas y construcciones varias, y donde una continua atmósfera creada por el desierto lo contamina todo. Es la arquitectura del aire. La propia concepción de imagen latente de la fotografía química conecta aquí con una ciudad simulada. Esta ciudad simulada pasa a ser una ciudad disimulada en la representación, donde por ocasiones aparece o desaparece, donde se intuyen o no iconos arquitectónicos  y donde sobre todo no se habita. Los espacios aparecen desiertos, como una extensión del desierto que lo rodea y lo contamina, porque este desierto tiene memoria e intenta recuperar esos espacios que fueron suyos.
Rubén Acosta

Higiene Visual, Rubén Acosta

No es de extrañar que Rubén Acosta comenzara su conferencia con la definición tan acertada de un término como es la optometría, ciencia encargada del cuidado primario de la salud visual, a través de acciones de prevención, diagnóstico, tratamiento y corrección. Así nos enumera todo un decálogo de recomendaciones para una buena  salud visual, donde ejemplifica cada una de ellas con diversas imágenes.

Tampoco es de extrañar que sin  pensarlo asaltara a mi memoria  el desprecio de Marcel Duchamp por el arte retiniano, aquel tipo de arte, que según él, sólo interpretábamos con la retina, hoy tan cansina y necesitada de tratamiento, y no con la clarividencia de la mente. Ese tercer ojo  que se convierte en nuestra conciencia  y con el que tan irónicamente Rubén se retrata, pues es anhelo de todos los que nos dedicamos a la imagen, el poder tener una cámara en la frente y plasmar todo lo que acontece.

© Rubén Acosta

Un acontecer, que como este hacedor de imágenes  nos adelanta, no es más que una farsa, pues cualquier fotógrafo sabe, que la fotografía engaña y que su visión de la realidad es  puro artificio. El registro de un espacio-tiempo determinado, es la negación de otro respecto a un continuo, una selección que rechaza otras posibilidades, y por lo tanto, desde el momento que apuntamos con nuestras cámaras, ya estamos manipulando la realidad, la fotografía no es una verdad absoluta sino es la verdad del fotógrafo que la hace. Una manipulación que Rubén puntualiza y ejemplifica, diferenciando entre una manera de manipular más sibilina y hierática, que se realiza antes de disparar dicho dispositivo, y otra a posteriori, que destierra a su vez, su condición de veracidad, esa manipulación que hoy se reinventa con los programas de retoque fotográfico pero que ya históricamente acompañan  la imagen fotográfica desde su comienzos. Un claro ejemplo de ello son las manipulaciones realizados con fines políticos por Alexander Ródchenko, fotógrafo ruso que resucitaría al descubrir la mentira del coronel Ivan Istochnikov, cosmonauta soviético inventado por Joan Fontcuberta, uno de nuestros mayores defensores de la mentira fotográfica.

Por lo tanto, es obvio que debemos preguntarnos sobre la veracidad de la imagen y es por ello, por lo que Acosta nos desvela una serie de pautas para detectar esas manipulaciones, como por ejemplo, observar las escenificaciones.

© Joan Fontcuberta

En este enaltecimiento visual postfotográfico, la sobresaturación de imágenes nos desborda, y es por ello por lo que muchos artistas visuales de la postmodernidad,  ya  no ven la necesidad de  seguir creando imágenes, sino que se apropian de las ya existentes, como bien ilustra  Rubén Acosta con la obra Suns de  Penélope Umbrico, artista visual que construye un mural con infinidad de imágenes cogidas desde Flickr, de puestas de sol y amaneceres.

© Penélope Umbrico

Otro de los aspectos que Rubén Acosta desgrana en su discurso es la idea del territorio, al igual que Michael Houellebecq en su novela “El mapa y el territorio” Rubén  reflexiona sobre la distancia que existe entre estos dos conceptos, siendo supuestamente el territorio primero que su representación cartográfica. Aún así, nos alecciona en tanto en cuanto, al crear el mapa, este ya es una realidad en sí mismo, por lo que ambos se convierten en realidades paralelas.

Realidades paralelas como las que descubre Acosta al investigar sobre ciudades como Dubai, construida dentro de parámetros tanto reales como virtuales. De-rendering, su último proyecto desgrana en imágenes su preocupación sobre el paisaje urbano, la arquitectura y la imposibilidad de sostenibilidad de esta ciudad. Una visión crítica donde contemplamos “una realidad consumiéndose en su puro simulacro”, como ya nos alertó Jean Baudrillard.  Ciudad de  éxitos y fracasos, sueños abortados pues una árida melancolía inunda todas sus imágenes. Una despedida a su discurso,  que nos deslumbra volviendo a sentir ese estado de ceguera transitoria. Al igual que un profeta del aire, Ruben Acosta nos alerta sobre la fragilidad del territorio con unas imágenes apocalípticas que nos embriagan, pues vemos como la desolación del vacío, se va apropiando cada vez más de la imagen, borrando todo atisbo de realidad.

© Rubén Acosta

Si quieres ver imágenes de la conferencia de Rubén Acosta  pincha aqui.

Terapia Visual

¿Podemos preparar nuestra vista para un proceso de  limpieza visual?, ¿no llegará un momento de la contemporaneidad donde las terapias visuales serán una constante?

Existe una contaminación, una contaminación visual que pasa inadvertida,  pues no somos conscientes de que seguimos aprisionados en la caverna platónica, en un continuo deleite de imágenes fugaces, irreales, pero ahora, con un condicionante, ya que no sólo somos cuerpo observador, sino que también, participamos como cuerpo creador. Hacedores de sombras, pues incluso la imagen ha perdido su corporeidad, desmaterializándose, formando parte de un no lugar líquido, donde todo fluye y nada permanece. Cautivos de este voyeurismo crónico, transitamos atados a las cadenas de la visibilidad,  convirtiéndonos por último, en cuerpo prisionero.

Es por ello que comenzamos la conferencia de Rubén Acosta con un minuto de relajación visual, un instante para la reflexión sobre el papel actual de la imagen, transformándonos intencionadamente en habitantes de la oscuridad, volviendo al encerramiento de la caverna platónica.

Al ser  esclavos de esta sociedad fragmentada y en constante cambio, el sentir estético, comienza a manifestarse como acontecimiento, convirtiendo al usuario de la experiencia visual, caso que nos atañe, en demandante de sensaciones únicas y perecederas. Ritualizamos la experiencia, transformando en divertimento social nuestra condición de consumidores de imágenes, imágenes-kleenex, como ya nos alecciona Joan Fontcouberta: “nos hemos convertido en consumidores de imágenes de usar y tirar, donde nada puede saciar nuestra sed de imágenes, el soma de la postmodernidad”.

 Y es por ello, por lo que desde Photobrik, les hemos invitado a  ser manipulados, implicándolos gestualmente, para así, en ese estado de ceguera transitoria, reflexionar sobre la importancia de paralizar el fluir contemporáneo, y detenernos ante la imagen.

Un parar, que comienza en cada sesión de  Photobrik con las Estrategias de Pensamiento Visual (VTS), técnica desarrollada desde el Departamento de Educación y Acción Cultural del CAAM, un acertado acercamiento a la lectura de la imagen que no deja a nadie indiferente.

Si quieres ser partícipe de nuestra terapia visual, pincha aquí.

Raquel Zenker